A través del sonido de la l...
|
A través del sonido de la lluvia
Não basta abrir a janela
para ver os campos e o rio
Não é bastante não ser cego
Para ver as árvores e as flores.
É priciso tambén não ter filosifia nenhuma.
Com filosofia não há árvores: há ideias apenas.
Há só cada um de nós, como uma cave.
Há só uma janela fechada, e todo o mundo lá fora;
E um sonho do que se podeira ver se a janela se abrisse,
Que nunca é o que se vê quando se abre a janela.
(Alberto Caeiro)
¿Mostrar o tapar?
Si todo arte nace de una tensión y todo artista vive en conflicto, el dilema creador en César Camarero estriba, más o menos, en esto: ¿doy salida, sí o no, y si sí, con cuánta nitidez, a la inmensa riqueza de mi universo interior? Así, el de Camarero es un arte de veladuras, incertidumbres, atisbos y celosías. Es un terreno de hermoso misterio en el que las cosas muestran cierto pudor a sonar con plenitud. Es música de noche: ¡cuidado, no vaya a entrar la luz y se disperse el sueño! Y, al mismo tiempo, es música fuerte, segura de sí, en la medida en que no acepta negociaciones ni cede ante nada que no sea la propia intuición creadora.
Camarero pertenece a una generación de compositores españoles de mucho talento (Hèctor Parra, Jesús Rueda, Jesús Torres, Alberto Posadas, José María Sánchez Verdú, Mauricio Sotelo, y algunos otros) que, partiendo de los logros de sus maestros (Luis de Pablo y Francisco Guerrero, principalmente), se encuentran hoy en una fascinante diáspora exploradora. Cada uno a su manera, a su velocidad y en su propia dirección, todos ellos se alejan de las posiciones de la vanguardia, desde hace ya muchos años sedentaria y académica. La música que surge de ese viaje múltiple y centrífugo es maravillosamente diversa y personal. Camarero se aleja de los viejos principios, pero poco —no renuncia al concepto “escucha activa” ni al de “tesoro escondido difícil de encontrar”— y su camino es siempre el de la poesía: en sentido estricto en sus composiciones con voz y en sentido figurado en todas sus obras, porque la poética de Camarero es eso, poética, y como tal descansa sobre la observación, la introspección, el asombro y la metáfora. A eso, seguramente, aludía Luis de Pablo cuando calificó así a Camarero: “César es un lírico del género introspectivo”.
A veces, sus versos musicales parecen herméticos y opacos, pero no lo son del todo porque, como decía antes, Camarero practica el arte de la seducción por veladura. Las opacidades, que existen, van seguidas siempre de transparencias en un juego de tapar/enseñar tan antiguo como el deseo y tan eficaz como ninguno: ¡cuidado —parece pensar Camarero cuando un fragmento empieza a tomar demasiada forma y a hacerse claro al oído— no vaya a ser que se entienda algo! A fin de cuentas, qué es la metáfora sino una forma de celosía cuya transparencia nos deja entrever el objeto y cuya opacidad nos catapulta hacia quién sabe dónde.
Ese viene a ser el terreno estético en el que maniobra este compositor madrileño que nació en 1962 y se formó como músico durante su adolescencia en Nueva York. De vuelta a España, estudió composición con Guerrero y De Pablo. Su voz personal
impresionó a los jurados de varios premios muy destacados: el Broadcast Music Inc. de Estados Unidos, el de la Fundación Gaudeamus de Holanda, el Guido d’Artezzo de Italia, la Bienal de Hannover de Alemania, y, en 2006, el Premio Nacional de Música que concede el Gobierno de España.
El presente CD contiene obras compuestas entre 2000 y 2009. “Vanishing Point”, de 2007, nació como un encargo conjunto de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas y la Fundación Autor, con destino a ser estrenada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla que dirige Pedro Halffter. Como casi todas las obras que Camarero ha compuesto para orquesta o conjunto grande, se trata de una obra concertante. Los solistas son dos y del mismo instrumento —otra constante en la obra de Camarero—, en este caso, dos percusiones que se reparten las láminas (vibráfono para el percusionista I, marimba para el II). Ambos hacen sonar placas de acero repujado cortadas en diferentes tamaños para la ocasión. Los percusionistas
tocan siempre a la vez por lo que, más que dos solistas, vienen a ser un único elemento concertante dividido en dos cuerpos separados. Cuando la obra se toca en vivo tiene cierta intención estereofónica, por lo que debe ser interpretada con los percusionistas situados lo más lejos posible uno de otro.
“Duración Invisible”, es de 2009 y emplea, como “Vanishing Point”, orquesta (divida en dos) y un solista colectivo, en esta ocasión un trío con piano que tiene también cierto cometido espacial, incluso levemente teatral: el violonchelista del trío empieza tocando a la derecha del espectador y se reúne luego con sus dos compañeros; entonces es el violinista quien se va al extremo izquierdo para, finalmente, abandonar la sala. La obra no deja de ser puramente musical y su reproducción en disco es perfectamente fiel a su espíritu, pero eso no le impide estar plagada de metáforas literarias, cinematográficas o espaciales, como el cruce de ondas en un charco bajo la lluvia, la reconstrucción holográfica de objetos, o, sobre todo, los movimientos de los bancos de peces y de las bandas de mosquitos: «¡Ya me gustaría —dice Camarero— que mi música fuera la mitad de fascinante que el movimiento de un banco de peces!». “Duración invisible” es un encargo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y fue estrenada por el Trío Arbós y el maestro José Ramón Encinar.
En la obra que cierra este CD, el trío con piano suena “a través del sonido de la lluvia”, que es una bonita aplicación sonora de la metáfora de la celosía. Si, como decíamos antes, toda la obra de Camarero se apoya de una manera u otra en la poesía, ésta lo hace explícitamente. La partitura es una pieza de música continua, pero está estructurada en un preludio y seis secciones que se corresponden con los seis poemas del ciclo “Cámara oscura”, de Sebastián Díaz Eresma, un poeta español de gran originalidad y de identidad misteriosa. Los poemas pueden o no ser leídos durante la interpretación. Fue estrenada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el 16 de octubre de 2000 por el Trío Arbós, a quien está dedicada.
Álvaro Guibert
Cámara oscura
I
entrando en un túnel
con paredes de fieltro
que se pega al cuerpo
como un traje de hombre rana
avanzando lentamente
con pasos eléctricos
donde la voz sólo es escuchada por la voz
en un laberinto mecánico
sintiendo las pequeñas pulsaciones
sobre la piel
como ráfagas de tiempo antiguo
tan antiguo como el último rincón
de cualquier pupila
verde
enmascarada
entresacada de un recuerdo
inventado ante tus ojos
en una infancia ajena
olvidada tarde
o a tiempo
II
el tiempo se cuela
como agua
por las rendijas que se forman
entre el final de un segundo
y el principio del segundo siguiente
III
llego a la entrada de un bosque secreto
y, antes de entrar,
me son concedidos tres atributos:
El Agua, El Vaso, y La Sed que lo Contempla
IV
los árboles y matojos
son autómatas vivos
con oscuras intenciones
que sonríen como muñecos de feria extravagantes
con una calma de seres infinitos
dioses-monstruos en la noche helada
V
entonces me dicen:
“Todo el universo pasará
en algún momento
a través de este vaso
de agua,
siendo traducido
a los humanos
a través del sonido
de la lluvia”
en ese momento comprendo
que he de llegar
a poder esperar sentado
aquello que comprendo
que nunca llegará.
VI
ya no hay tiempo
no hay lugar,
tan sólo un arroyo de luz
que cristaliza
en el vértigo
del eco
(Sebastián Díaz Eresma)
Zeigen oder verhüllen?
Wenn alle Kunst aus einem Spannungsmoment geboren wird und jeder Künstler im Konflikt lebt, so läuft das schöpferische Dilemma bei César Camarero mehr oder weniger auf Folgendes hinaus: Lasse ich den unermesslichen Reichtum meines inneren Universums nach außen dringen, ja oder nein, und falls ja, mit wie viel Klarheit? Dementsprechend ist die Kunst Camareros eine Kunst der Verschleierungen, Ungewissheiten, Ahnungen und Undurchsichtigkeiten. Sie ist eine Landschaft voll wunderbaren Mysteriums, in der die Dinge eine gewisse Scheu zeigen, in Fülle zu erklingen. Es ist Nachtmusik: Vorsicht, dass kein Licht hineinströmt und der Traum zerstiebt! Und gleichzeitig ist es starke Musik, selbstbewusste, insofern sie auf keinen Handel eingeht und sich nichts beugt, es sei denn der schöpferischen Intuition selbst.
Camarero gehört zu einer Generation von äußerst talentierten spanischen Komponisten (Hèctor Parra, Jesús Rueda, Jesús Torres, Alberto Posadas, José María Sánchez Verdú, Mauricio Sotelo und einige andere), die sich ausgehend von den Errungenschaften ihrer Lehrer (in erster Linie Luis de Pablo und Francisco Guerrero) in eine faszinierende Forschungsdiaspora begeben haben. Sie alle entfernen sich von den Positionen der schon seit vielen Jahren häuslich und akademisch gewordenen Avantgarde, jeder von ihnen auf seine Weise, in seiner Geschwindigkeit und in seine eigene Richtung. Die Musik, die aus dieser vielfältigen und zentrifugalen Reise entsteht, ist auf wundersame Weise verschiedenartig und
persönlich. Camarero entfernt sich von den alten Prinzipien, jedoch nur geringfügig – er gibt das Konzept des „aktiven Zuhörens“ nicht auf noch ebenso wenig das des „versteckten und schwer auffindbaren Schatzes“ – und sein Weg ist immer der Weg der Poesie: Im strengen Sinne trifft dies auf seine Kompositionen mit Gesang zu und im übertragenen Sinn auf alle seine Werke, weil die Poetik Camareros ebendies ist – Poetik - und als solche auf Beobachtung, Introspektion, Staunen und Metaphern beruht. Darauf spielte sicher Luis de Pablo an, als er Camarero so beschrieb: „César
ist ein Lyriker der introspektiven Art.“
Manchmal erscheinen seine musikalischen Verse hermetisch und undurchsichtig, aber sie sind es nicht gänzlich, da Camarero, wie bereits erwähnt, die Kunst der Verführung durch Verschleierung praktiziert. Auf die durchaus existierenden Opakheiten folgen stets Transparenzen, wodurch sich ein Spiel des Verhüllens/Zeigens ergibt, das so alt ist wie das Begehren und so wirkungsvoll wie kein anderes: Vorsicht – scheint Camarero zu denken, wenn ein Fragment zu viel Form zu bekommen und Klarheit im Ohr anzunehmen beginnt – es soll bloß nichts zu verstehen sein! Was ist denn letzen Endes die Metapher, wenn nicht eine Art Vorhang, dessen Transparenz uns das Objekt erahnen lässt und dessen Undurchsichtigkeit uns wer weiß wohin katapultiert.
Dies sind ungefähr die ästhetischen Sphären, in denen sich dieser Komponist aus Madrid bewegt, der 1962 geboren und während seiner Jugend in New York zum Musiker geformt wurde. Zurück in Spanien studierte er Komposition bei Guerrero und De Pablo. Seine persönliche Stimme hat die Jurys verschiedener überaus namhafter Preise beeindruckt: die Broadcast Music Inc. in den Vereinigten Staaten, die Stiftung Gaudeamus in Holland, die Jury des Guido d’Artezzo in Italien, die der Biennale in Hannover, und im Jahre 2006 wurde ihm der Nationale Musikpreis verliehen, der von der spanischen Regierung vergeben wird.
Die vorliegende CD enthält Werke, die zwischen 2000 und 2009 komponiert wurden. „Vanishing Point“, aus dem Jahr 2007, entstand als gemeinsamer Auftrag des Verbands der Sinfonieorchester Spaniens und der Stiftung Autor mit dem Ziel, durch das Königliche Sinfonieorchester von Sevilla unter der Leitung von Pedro Halffter aufgeführt zu werden. Wie fast alle Werke, die Camarero für Orchester oder großes Ensemble komponiert hat, handelt es sich um ein konzertantes Werk. Es wird von zwei Solisten des gleichen Instruments gespielt – eine weitere Konstante im Werk Camareros -, in diesem Fall zwei Schlaginstrumente, die sich die Lamellen teilen (Vibraphon für den 1. Schlagzeuger, Marimba für den 2. Schlagzeuger). Beide lassen Platten aus ziseliertem Stahl erklingen, die dafür auf verschiedene Größen zugeschnitten wurden. Die Schlagzeuger spielen immer gleichzeitig, weswegen sie weniger als zwei Solisten, sondern vielmehr als ein einziges konzertantes Element, das aus zwei getrennten Körpern besteht, gesehen werden können. Wenn das Stück live aufgeführt wird, besitzt es eine gewisse stereophonische Intention, weswegen die Schlagzeuger beim Spielen des Stücks so weit wie möglich voneinander entfernt platziert sein müssen.
„Duración Invisible“ stammt aus dem Jahr 2009 und verwendet, wie „Vanishing Point“, Orchester (zweigeteilt) und einen kollektiven Solisten, in diesem Fall ein Trio mit Piano, das auch eine gewisse räumliche, ja sogar leicht theatralische Aufgabe hat: Der Cellist des Trios beginnt rechts vom Zuhörer zu spielen und vereint sich später mit seinen zwei Kollegen; dann ist es der Violinist, der sich zur linken Seite bewegt, um schließlich den Saal zu verlassen. Das Werk ist letztendlich rein musikalisch und die Reproduktion desselben auf der CD bleibt seinem Geist vollkommen treu, aber dies hindert es nicht daran, voller literarischer, filmischer oder räumlicher Metaphern zu sein, wie sich überschneidende Wellen in einer Pfütze im Regen, die holographische Rekonstruktion von Objekten oder, vor allem, die Bewegungen von Fisch- und Mückenschwärmen: „Ich hätte ja gerne“, sagt Camarero, „dass meine Musik halb so faszinierend wäre wie die Bewegung eines Fischschwarms!“. „Duración Invisible“ ist im Auftrag des Orchesters der Autonomen Region Madrid entstanden und wurde durch das Trío Arbós und den Dirigenten José Ramón Encinar uraufgeführt.
Die CD endet mit dem Klaviertrio „A través del sonido de la lluvia“ („durch das Geräusch des Regens hindurch“) - eine schöne lautmalerische Umsetzung der Metapher des Vorhangs. Wenn, wie bereits erwähnt, das ganze Werk Camareros sich auf die eine oder andere Weise auf die Poesie stützt, so tut es dieses Stück explizit. Die Partitur ist ein durchgehendes Musikstück, jedoch strukturiert in ein Präludium und sechs Abschnitte, die den sechs Gedichten des Zyklus „Cámara oscura“ („Dunkelkammer“) von Sebastián Díaz Eresma, einem spanischen Dichter großer Originalität und mysteriöser Identität, entsprechen. Die Gedichte können während der Aufführung gelesen werden oder auch nicht. Das Werk wurde am 16. Oktober 2000 im Círculo de Bellas Artes in Madrid durch das Trío Arbós, dem es gewidmet ist, uraufgeführt.
Álvaro Guibert
The art of covering or uncovering
If all art is born from out of a condition of tension and if every artist lives in a state of inner conflict, the creative dilemma within César Camarero basically comes down to this: “do I give expression – yes or no, and if, yes, with how much clarity – to the vast wealth of riches that exist in my inner world? Thus, the art of Camarero is one of concealments and velatures, uncertainties, the scattering of hints and the obscuring of them. This is the terrain of an attractive mystery in which ideas demonstrate a certain reserve in being given voice in their totality. It is music of the night: but be careful, don’t let the light flood in and shatter the dream! And yet, at the same time, it is bold and strong music, certain of itself, in that it neither tolerates discussions, nor does it yield before anything which fails to reflect its own creative intuition.
Camarero forms part of a highly-talented generation of Spanish composers (Jesús Rueda, Jesús Torres, Alberto Posadas, José María Sánchez-Verdú, Mauricio Sotelo and Hèctor Parra, among others), which using the collective achievements of its teachers (notably Luis de Pablo and Francisco Guerrero) as a starting point, is involved today in a fascinating exploratory branching and spreading out. All of these composers, in their own fashion, at their own pace and in their own direction, have been veering away from those avant-garde positions which, for many years, have been regarded as sedentary and academic. The music emerging from that collective journey moving away from the centre is marvellously diverse and individual. Camarero indeed distances himself from the old principles, albeit in a limited way – he does not reject the concept of “active listening”, nor of the “difficult-to-find hidden treasure” – and his route is always couched within poetry: in the strict sense in his vocal compositions, and figuratively so across all his works, since his poetics is precisely that, poetic, and as such is based on observation, introspection, the intermingling of ideas and metaphor. This was, most likely, what Luis de Pablo was alluding to, when describing Camarero: “César is a lyrical voice from the introspective genre”.
If at times, his musical offerings come over as secretive and opaque, this does not describe them in their entirety because, as I was commenting earlier, Camarero carries out his art of seduction by means of concealment and musical velatures. That sense of opaqueness, whenever it occurs, is always followed by an openness in the form of covering/uncovering, as ancient as desire itself and as effective as anything else could be: but be careful – Camarero appears to be considering exactly when a fragment is beginning to take too much shape and to make itself clear to the ear – it won’t be the case that one will end up comprehending something! In the end, what is the metaphor being employed here but a kind of obscuring and shading, whose transparency allows us to discern the object and whose opacity projects us towards who knows where.
This is the kind of aesthetic terrain across which is journeying this composer who was born in Madrid in 1962. After a musical education in New York during his adolescence he returned to Spain and studied composition with Guerrero and de Pablo. The personality of his compositional voice soon impressed the juries of a number of leading awards and competitions: the BMI Student Composer Awards from the USA, the Stichting Gaudeamus from The Netherlands, the Fondazione Guido d’Arezzo from Italy, the Biennale Neue Musik Hannover in Germany, and in 2006 the Premio Nacional de Música, awarded by the Government of Spain.
The present CD contains three works, composed between 2000 and 2009. “Vanishing Point”, from 2007, arose as a commission jointly from the Asociación Española de Orquestas Sinfónicas and the Fundación Autor; the commission’s contents included for it to be premièred by the Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, conducted by Pedro Halffter. As with the other works on this disc and like virtually all the works which Camarero has written for orchestra or large ensemble, this is a concertante work. There are two soloists here, playing the same instrument – another regular factor in Camarero’s work – in this case two percussion instruments which divide up the resonating bars between them (vibraphone for percussionist I, marimba for percussionist II). Both players use embossed steel plates cut into different sizes for the performance of this work. The percussionists are always playing at the same time and as a consequence of which, rather than acting as two soloists, they form a kind of single or solo concertante element, albeit divided into two separate entities. When the work is performed live there is a certain intent of creating a stereophonic effect, for which the work needs to be performed with the percussionists placed as far apart as possible from each other.
“Duración Invisible” is from 2009 and employs, like “Vanishing Point”, an orchestra (here divided into two sections) and a solo group, here a piano trio which additionally has a particular ‘special mission’, one which is even lightly theatrical in nature: the trio’s cello begins playing situated on the audience’s right and then goes to join his or her two colleagues; then it is the violinist who makes off to the extreme left, before finally leaving the concert hall itself. This performance theatricality does not prevent the work from operating on a purely musical level and its reproduction on disc is perfectly faithful to its spirit. That does not hinder it being full of literary, cinematographic and spatial metaphors, such as the intersection of waves in a puddle under the rain, the holographic reconstruction of objects or above all, the movements of shoals of fish and swarms of mosquitoes: “What I would really like”, says Camarero, “is for my music to be half as fascinating as the movement of a shoal of fish!” “Duración Invisible” was commissioned by the Orquesta de la Comunidad de Madrid and was first performed by them and the Trío Arbós and the conductor José Ramón Encinar.
This CD concludes with the piano trio “A través del sonido de la lluvia” [through the sound of the rain] – a nicely onomatopoetic realisation of the “curtain” metaphor. If, as has already been mentioned, Camarero’s entire oeuvre relates in one way or another to poetry, this piece does so explicitly. While the score exhibits consistent mastery, it is structured into a prelude and six sections which correspond to the six poems of the cycle “Camara oscura” [Darkroom] by Sebastián Díaz Eresma, a Spanish poet of great originality and mysterious identity. It is possible – but not mandatory – to have the poems read while the piece is performed. This work was premièred by Trío Arbós (to whom it is dedicated) at the Circulo de Bellas Artes in Madrid on 16 October 2000.
Álvaro Guibert
Montrer ou voiler?
Si l’art naît toujours d’un moment de tension et si chaque artiste vit dans un conflit, le drame créateur se résume chez César Camarero plus ou moins à ceci: dois-je laisser percer la richesse inépuisable de mon univers intérieur, et si oui, avec quel degré de clarté? À partir de là, le travail de Camarero relève d’un art des voilements, des incertitudes, des pressentiments et des opacités. Il s’agit d’un paysage plein de mystères merveilleux, où les choses font montre d’une certaine pudeur à résonner pleinement. C’est une musique nocturne, protégée par la précaution de n’y laisser pénétrer aucune lumière, et que le rêve disperse. Et c’est en même temps une musique forte, consciente d’elle-même, qui ne marchande pas et ne se plie à rien, hormis à l’intuition créatrice elle-même.
Camarero fait partie d’une génération de compositeurs espagnols de grand talent (Hèctor Parra, Jesús Rueda, Jesús Torres, Alberto Posadas, José María Sánchez Verdú, Mauricio Sotelo et quelques autres) qui, en s’appuyant sur les acquis de leurs professeurs (en premier lieu Luis de Pablo et Francisco Guerrero), sont partis dans une fascinante diaspora créatrice. Ils s’éloignent des positions d’une avant-garde devenue depuis des années casanière et académique, chacun à sa manière, selon son rythme et sa direction propre. La musique née de ce voyage multiple et centrifuge est merveilleusement diversifiée et personnelle. Camarero s’écarte des anciens principes, mais de façon minime seulement – il ne renonce pas à la notion «d’écoute active» ni à celle du «trésor caché et difficilement trouvable» et sa voie demeure toujours celle de la poésie; au sens étroit, cela vaut pour toutes ses compositions avec chant et plus largement pour toute son oeuvre, puisque la poétique de Camarero est précisément cela – une poétique – reposant en cela sur l’observation, l’introspection, l’étonnement et les métaphores. C’est à cela sans doute que faisait allusion Luis de Pablo en disant de Camarero: «César est un poète pratiquant un lyrisme introspectif».
Parfois, ses vers musicaux paraissent hermétiques et opaques, sans l’être tout à fait, puisque Camarero, comme on l’a dit, s’adonne à un art de la séduction à partir du voilement. Ces opacités qui existent réellement sont toujours suivies de transparences, inaugurant un jeu entre ce qui est montré et ce qui est caché, jeu aussi ancien que le désir et efficace comme aucun autre: attention, semble penser Camarero, dès que la forme d’un fragment se dessine trop nettement et apparaît trop clairement à l’oreille – surtout, qu’il n’y ait rien à saisir! Et qu’est-ce d’autre en fin de compte qu’une métaphore, sinon une sorte de rideau, dont la transparence laisse deviner l’objet et dont l’opacité nous catapulte nous ne savons où.
Voilà à peu près les sphères esthétiques dans lesquelles se meut ce compositeur madrilène né en 1962 et qui a reçu sa première formation musicale à New York. De retour en Espagne, il a étudié la composition avec Guerrero et De Pablo. Sa voix personnelle a impressionné les jurys de plusieurs prix renommés, au Broadcast Music Inc. aux Etats-Unis, à la fondation Gaudeamus au Pays-Bas, celui du Prix Guido d’Arezzo en Italie, de la Biennale de Hongkong, et en 2006, Camarero a reçu le Prix National attribué par le gouvernement espagnol.
Cet enregistrement comprend des oeuvres écrites entre 2000 et 2009. «Vanishing Point» (2007) répond à une commande conjointe de l’association des orchestres symphoniques espagnols et de la Fondation Autor, en vue d’une création par l’Orchestre symphonique royal de Séville, sous la direction de Pedro Halffter. Comme toutes les oeuvres figurant sur ce CD, et presque toutes les partitions pour orchestre ou grand ensemble de Camarero, il s’agit d’une oeuvre concertante. Deux solistes jouent d’un même instrument – autre caractéristique de Camarero – ici les percussions, en se partageant les plaques (vibraphone pour le premier percussionniste, marimba pour le second). Des lamelles de métal ciselé résonnent, découpées en différentes tailles. Les percussionnistes jouent toujours simultanément, et on peut y voir moins deux solistes qu’un seul et unique élément concertant fait de deux corps séparés. Quand la pièce est jouée en direct, une certaine intention de stéréophonie devient perceptible, qui demande que les percussionnistes soient éloignées le plus possible sur le podium.
«Duracion Invisible» (2009) utilise comme «Vanishing Point» l’orchestre (divisé en deux) et un soliste collectif, ici un trio avec piano, qui remplit également une fonction spatiale, voire théâtrale: le violoncelliste commence à jouer à la droite des auditeurs et rejoint ensuite ses deux collègues; puis, c’est le violoniste qui se déplace vers le côté gauche, pour quitter à la fin la salle. L’oeuvre est en fin de compte purement musicale et un enregistrement sur CD restitue fidèlement son esprit: ceci nonobstant, elle regorge de métaphores littéraires, cinématographiques et spatiales, tel les ondulations produites par la pluie tombant sur une flaque d’eau, le reconstruction d’objets par hologramme et surtout les mouvements d’un banc de poissons ou d’un essaim de mouches. «J’aimerais beaucoup, dit Camarero, que ma musique soit aussi fascinante que les mouvements d’un banc de poissons!» «Duracion Invisible» répond à une commande de l’Orchestre de la communauté autonome de Madrid et a été crée par le Trío Arbós, sous la direction de José Ramón Encinar.
Cet enregistrement se termine avec le trio avec piano «A través del sonido de la lluvia» («à travers le son de la pluie») – de nouveau une belle illustration sonore de la métaphore du rideau. Et si d’une manière ou d’une autre, comme nous l’avons dit, l’oeuvre de Camarero s’appuie toujours sur la poésie, celle-ci le fait explicitement. La forme est conçue d’un seul tenant, mais se structure pourtant en un prélude et six sections, qui correspondent à six poèmes du cycle «Cámara oscura» («chambre noire») de Sebastián Díaz Eresma, poète espagnol mystique d’une grande originalité. Les poèmes peuvent être lus ou non lors de l’exécution. L’oeuvre a été créée le 16 octobre 2000 au Círculo de Bellas Artes de Madrid par le Trío Arbós, auquel il est dédié.
Álvaro Guibert
Traducción al español: Iñigo Giner Miranda, David Rodríguez Cerdán
English translation: Christopher Roth, Mark Wiggins
Deutsche Übersetzung: Ursula Stache,
Traduction française: Martin Kaltenecker
|
back
